7 mẹo để quay phim nét hơn

Giữ cho chủ thể ở trong trường nét và cải thiện project của bạn với những mẹo nhỏ sau.

Giữ cho shot của bạn có độ nét cao là một trong những yếu tố cực kỳ quan trọng khi quay phim. Một chủ thể nằm hoàn hảo trong trường nét cho khán giả biết cần phải nhìn vào đâu. Với những kỹ thuật như racking hoặc pulling focus, sự thay đổi trường nét sẽ cảnh báo cho chúng ta biết làm thế nào để điều hướng sự chú ý của chúng ta đến hành động đang diễn ra trên màn hình.

Một trong rất nhiều rào cản khi làm việc trong ngành sản xuất video là thiếu người, thiếu thiết bị, thiếu tiền và thiếu thời gian. Mặc dù tất cả những điều này có thể là những thách thức đáng kể nhưng chúng cũng tạo cơ hội để bạn hiểu rõ hơn về nghề và thiết bị của bạn. Trong bài viết này, Cinecom sẽ giới thiệu một số cách để giúp bạn hoàn thành mục tiêu làm phim của mình, cho dù đó là việc racking focus hay follow chủ thể. Hãy tham khảo một vài giải pháp cho người quay đơn độc.

 

 

 

 

 

 

 

Làm việc với môi trường của bạn

Khi bạn follow chủ thể trong một cảnh, việc duy trì một khoảng cách nhất định và nhận thức về vị trí của máy quay là điều quan trọng cốt lõi. điều này có vẻ khó, đặc biệt là nếu bạn là người quay phim, đạo diễn và người chỉnh focus, nhưng luôn có những cách để đảm bảo một các tiếp cận nhất quán như buộc dây vào chủ thể, tập dượt đủ nhiều, hoặc block out một cảnh để pull focus

Kiểm tra độ sâu trường ảnh

Một trong những cách đơn giản nhất để quay shot nằm trong trường nét một cách liên tục là hiểu về ống kính của bạn. Việc hiểu về thiết bị của bạn cả trong lẫn ngoài là điều cần thiết để đảm bảo công việc được diễn ra một cách nhất quán. Bạn có thể luyện tập với ống kính của bạn bằng cách bước về phía một chủ thể cố định, Trong lúc cố gắng để giữ nó ở trong trường nét, và ghi nhớ là bạn sẽ phải xoay vòng lấy nét trên ống kính bao nhiêu. Tuy nhiên, đây là một thủ thuật đơn giản giúp tiết kiệm thời gian mà bạn có thể làm nó ở nhà.

Bắt đầu với chủ thể ở gần

Một trong những nguyên tắc về độ sâu trường ảnh là, khoảng cách từ chủ thể đến ống kính càng xa, thì độ sâu trường ảnh bạn phải xử lý càng lớn. Với quy tắc này, nếu bạn đang cố gắng lấy nét đúng, hãy bắt đầu bằng việc quay các chủ thể ở gần máy quay nhất. Điều này cho phép bạn thiết lập trường nét, và sau đó bạn có thể kéo má quay ra xa để tập lấy nét ở khoảng cách xa hơn

Mua một vòng chỉnh focus

Một trong những cách lấy nét hiệu quả về mặt chi phí và nhanh là sử dụng một vòng chỉnh focus. Bạn có thể dễ dàng mua được sản phẩm này trên thị trường với giá không quá cao.

Đánh dấu các điểm

Cách tiếp cận có vẻ nghiệp dư này lại là một cách hiệu quả, bạn có thể đánh dấu lên lens (hoặc follow focus) với một số loại sticker, bút đánh dấu, hoặc băng keo, để đánh dấu điểm focus khi racking hoặc pulling. Điều này dễ hơn rất nhiều khi bạn có một focus puller, nhưng nếu bạn quay solo, bạn vẫn có thể rack và pull một cách hiệu quả.

Dùng chế độ AutoFocus trước khi quay

 

 

 

 

 

 

 

Một vài loại như máy quay Sony dòng A cho phép bạn lấy nét tự động, và thiết đặt chế độ quay trước khi quay. Bạn có thể tham khảo video dưới đây. Chỉ cần vào menu, thay đổi AF Drive Speed từ Normal sang Slow và thiết đặt điểm lấy cho phù hợp. Bạn sẽ không gặp tình trạng bị out nét khi bước sai một bước khi đang cố gắng rack. Điều chỉnh này sẽ giúp bạn chuyển đổi ở độ dài chính xác mà bạn cần. Jason Vong cũng có một video hướng dẫn bạn cải thiện kỹ năng lấy nét với tùy chọn Magnify Focus.

Nếu bạn lấy nét sai ở vài chỗ, bạn có thể khắc phục chúng trong hậu kỳ.

Nguồn: #Premium Beat #Pixel Factory

Read more

Những thói quen xấu khi quay phim và cách khắc phục

Việc tránh lặp lại những sai lầm khi quay phim là điều cần thiết. Tuy nhiên, từ bỏ các thói quen xấu là một việc khó khắn, ngay cả khi bạn có ý thức rõ ràng về điều đó. Bài viết dưới đây chỉ ra các thói quen xấu mà những người quay phim thường mắc phải và cách để khắc phục chúng.

  1. Không sáng tạo. Bạn quay 5 hay 6 spot quảng cáo và tất tả chúng đều sêm sêm như nhau, cùng dựa trên một cấu trúc nhất định. Có thể bạn nghĩ rằng việc đó giúp bạn tiết kiệm thời gian, bởi bạn luôn biết mọi chuyện diễn ra như thế nào. Nhưng thực tế đó là một việc làm thiển cận. Nó làm cho khách hàng nghĩ bạn không thông minh hoặc lười biếng.
  2. Quá vội vàng. Khi mọi người gặp khó khăn ở một project, bạn thường nói với họ “Tôi sẽ giải quyết nhanh thôi! Tôi có thể set up trong 15 phút. Tôi có thể giải quyết trong vòng năm phút và chúng ta sẽ hoàn tất trong nửa giờ.” Và nếu mọi việc diễn ra đúng như vậy, bạn sẽ cho rằng bạn là một người xuất sắc khi có thể giải quyết mọi việc trong thời gian ngắn. Nhưng vấn đề là khi làm như vậy, bạn sẽ làm cho người khác không thoải mái. Mọi người thường không dễ để theo kịp bạn với tốc độ như vậy, và họ sẽ cảm thấy gượng gạo khi làm việc. Thay vì quá vồn vã thú giục, hãy khéo léo nhắc cho mọi người biết rằng không nên chậm trễ, bởi bạn muốn công việc được thực hiện đúng tiến độ và không làm phí thời gian của mọi người.
  3. Không ghi chú. Hãy ghi chú những thứ cần nhớ và lưu trữ cẩn thận những thông tin cần thiết. Luôn giữ cuốn sổ ghi chú bên mình. Những project lớn sẽ yêu cầu sử dụng một quyển sổ ghi chú riêng. Tạo danh sách thiết bị cần thiết, các shot cần quay và đánh dấu vào những việc đã hoàn thành. Hãy chắc chắn là quyển sổ ghi chú vừa đủ để đặt trong túi bạn và đảm bảo luôn có một cây bút trong đó.
  4. Nghĩ rằng bạn có thể giải quyết vấn đề bằng cách mua thêm thiết bị. Có những người quay toàn bộ phim của họ bằng iPhone. Vậy nên đừng cố gắng mua thêm thứ gì đó để giải quyết vấn đề. Bởi có thể bạn sẽ gặp phải tình trạng có quá nhiều đồ mua rồi mà không dùng đến. Thay vì việc mua sắm thêm thứ gì đó, hãy cố gắng nghĩ ra những giải pháp sáng tạo để giải quyết vấn đề trên những thứ mà bạn đang có.
  5. Không chừa thêm một chút thời gian trong một shot để dựng phim làm việc. Khi bắt đầu quay, bạn hãy đếm đến 10. Khi bạn nghĩ shot đó đã hoàn thành, đếm đến 10 tiếp trước khi cắt. Bạn hiếm khi cần thêm cả 10 giây phụ thêm đó, nhưng việc footage có thêm vài giây sẽ giúp người dựng phim dễ dàng làm việc để tạo nên các cut mượt mà hơn.
  6. Không quay đủ footage cần thiết để dựng. Một trong những điều khó chịu nhất trong việc làm phim là khi quay xong xuôi và tiến hành dựng phim thì mới phát hiện ra rằng bạn không có đủ footage để dựng. Có nghĩa là bạn không quay đủ số take và bạn đành phải dùng b-roll để vá lỗi hoặc thực hiện các cut xấu xí. Bạn có dư máy quay nào không? Tại sao bạn không đặt nó lên một cái tripod để lấy wide shot của mọi cảnh. Bạn sẽ mất thêm khoảng 10 phút để set up và tháo dỡ, nhưng nó sẽ cứu rỗi bạn trong phòng dựng.
  7. Quá táo bạo hoặc quá nhàm chán. Hãy sáng tạo trong những góc máy của bạn, nhưng luôn luôn có một kế hoạch dự phòng. Quay mọi thứ trong những góc thông thường rất là chán – nhưng lại là một việc an toan. Hãy cố gắng giữ cân bằng giữa việc sáng tạo và những thứ thông thường. Một ống kính mắt cá có thể làm cho project của bạn trông thú vị, nhưng cũng có thể khi vào đến phòng dựng thì bạn lại nhận ra rằng có gì đó sai sai.

Chúng ta đều có những thói quen xấu. Và việc đầu tiên để loại bỏ nó là phải nhìn nhận nó. Bạn có bao nhiêu thói quen xấu trong danh sách này nào?

Nguồn: #Video Maker, #Pixel Factory 

Read more

Cách tạo ánh sáng mang tính điện ảnh trong làm phim

Tác giả: Joshua Noel

Ánh sáng mang tính điện ảnh không yêu cầu bạn sử dụng các thiết bị đắt đỏ, cũng không cần phải set-up phức tạp. Bạn có thể dễ dàng học được cách tạo ra một cảnh low-light ấn tượng.

Có rất nhiều cách để bạn có thể kể một câu chuyện với ánh sáng mang tính điện ảnh cao. Trong video dưới đây, chúng ta sẽ nói về nhiều cách tiếp cận khác nhau mà bạn có thể dùng để tạo ra một project tốt nhất có thể. Hãy cùng tìm hiểu những điều gì có thể giúp tạo ra một bố cục đẹp.

Ánh sáng trong nhà

Trong shot đầu, nguồn sáng duy nhất trong cảnh phát ra từ một cái đèn trần. Rõ ràng, ánh sáng này không tốt. Để có được ánh sáng tốt, bạn cần có khả năng điều khiển đèn. Vì chúng ta đang tìm cách tạo ra ánh sáng mang tính điện ảnh, vậy nên hãy tắt tất cả các đèn gây nhiễu ánh sáng trong shot

Thúc đẩy ánh sáng

Cách tốt nhất để chiếu sáng cho một cảnh là xác định nguồn sáng chính – hay còn gọi là ‘thúc đẩy’ ánh sáng. Tôi dùng một đèn gia dụng cung cấp nguồn sang cho cảnh và cách chúng ta sẽ định hình nó.

Kiểm soát nguồn sáng

Một người quay phim tốt phải đảm bảo rằng các yếu tố quan trọng không bị ảnh hưởng. Chúng ta đặt một light dimmer cho đèn để kiểm soát độ phơi sáng.

Tăng cường ánh sáng

Vì chúng tôi lắp dimmer cho đèn, chúng tôi làm giảm lượng ánh sáng chiếu trực tiếp vào chủ thể. Vậy nên, dùng thêm một key light, chung tôi đặt một tấm LED phía sau đèn, nằm ngoài khung hình ở phía bên trái. Phụ kiện này giúp tăng lượng ánh sáng chiếu lên chủ thể, khiến cho cô ấy tách khỏi phông nền.

Tạo ra chiều sâu cho ánh sáng.

Trong các phòng lớn, việc tạo ra chiều sâu cho ánh sáng dễ dàng hơn. Tuy nhiên, trong các không gian nhỏ, cách tốt nhất để tạo độ tương phản cho ánh sáng là tạo shadow. bạn có thể mua các bộ thiết bị tạo shadow hoặc bạn có thể tự chế một tấm PVC 4’x4′ và dùng thêm băng keo.

Có nhiều cách để tạo ra ánh sáng mang tính điện ảnh

Các ví dụ trên chỉ là một trong số những cách mà bạn có thể tạo ra một cảnh low-light kịch tính. Hãy luôn nhớ rằng ánh sáng phải để phục vụ cho câu chuyện, và, hãy tận dụng các nguồn sáng có sẵn của mình.

Nguồn: #No Film School #Pixel Factory 

Read more

Người quay phim nên có những loại ống kính nào?

Với tư cách là một nhà quay phim, quyết định chọn sử dụng loại ống kính nào là một việc rất quan trọng. Dưới đây là danh sách những loại ống kính mà nhà quay phim nào cũng nên có.

Behind the scenes phim Birdman

Trong hầu hết các bộ phim lớn, người quay phim sẽ có nhiều sự lựa chọn về ống kính, vì kinh phí của họ cho phép điều này. Còn nếu bạn là một nhà làm phim độc lập hoặc làm phim tài liệu, kinh phí của bạn sẽ nhỏ hơn rất nhiều – số lựa chọn về ống kính trở nên khá giới hạn. Vì vậy mà nhiều nhà quay phim độc lập đã chọn ra ba loại ống kính cơ bản mà ai cũng cần có.

Là một người làm phim tài liệu, phần lớn thời gian làm phim, tôi chỉ dùng hai loại lens là 50mm prime và lens 70-200mm của Canon.

Với phim tài liệu truyền thống, zoom lens vẫn là một công cụ cần thiết. Trong bài viết này, chúng ta sẽ tìm hiểu về hai loại ống kính mà bạn nên thường sử dụng trong hầu hết thể loại, và một loại dùng cho việc làm phim tài liệu cùng một loại dùng trong việc làm phim độc lập.

  1. Hai loại prime lens cần phải có.

28mm Prime

Dù cho bạn đang thực hiện project nào, bạn vẫn cần một ống kính góc rộng và 2mm prime là một lựa chọn tốt. 28mm là một điểm cân bằng giữa 21mm và 35mm. Nó không quá rộng và không quá hẹp, nó vừa đẹp. Và hơn nữa, đó là một lens vô cùng phù hợp cho steadicam hay shoulder rig.

Các loại phổ biến:

Canon EF 28mm f/1.8 – $510
Zeiss Prime 28mm f/2.0 – $1283
Zeiss CP.2 28mm T2.1 – $3990
Schneider PC-TS 28mm f/4.5 – $6799
1.2 50mm Prime

Canon 50mm

Cần phải nhắc lại rằng 50mm là loại lens mà tất cả mọi người nên có, hoặc nên dùng trong mỗi sản phẩm. Nó mô phỏng góc nhìn giống của người hơn bất kỳ ống kính nào khác, và nó là ống kính được các nhà làm phim mọi thời đại ưa thích. Công nghệ phía sau các lớp kính cực kỳ ấn tượng, tuy thế, một ống kính 50mm chất lượng cao cũng không hề quá đắt đỏ.

Các loại phổ biến:

Canon EF 50mm f/1.4 – $349
Rokinon Cine DS 50mm T1.5 – $549
Zeiss Prime 50mm f/1.4 ZE – $725
Canon EF 50mm f/1.2L – $1349
Zeiss Compact Prime 50mm T2.1 – $3999

2. Các lựa chọn cho ống kính thứ 3

Đối với làm phim tài liệu: ống kính zoom 70-200mm

70-200mm là ống kính cần thiết cho phim tài liệu truyền thống, khi những nhà làm phim cần ghi hình với tốc độ cao. Ống kính này có ba phiên bản với ba mức giá khác khau. Phiên bản f/4.0 rõ ràng là không nhanh bằng phiên bản f/2.8, và sự khác biệt giữa f/2.8L và f/2.8 ISII là không đáng kể.

Các loại phổ biến:

Canon 70-200mm f/2.8 IS II – $1999
Canon 70-200mm f/2.8L – $1249
Canon 70-200mm f/4.0L – $599
Tamron 70-200mm f/2.8 – $769
Sigma 70-200mm f/2.8 – $1149

Đối với làm phim độc lập: 85mm Prime

Bạn sẽ không cần quay vội vàng trong một dự án phim điện ảnh. Các cảnh của bạn sẽ được lên kế hoạch chặt chẽ, cho phép bạn đặt máy quay trên chân máy. Hơn nữa, chật lượng hình ảnh của một ống kính zoom dù có tốt thế nào cũng không thể so sánh được với chất lượng hình ảnh của một ống kính prime.

Các loại phổ biến:

Ziess Telephoto 85mm f/1.8 – $1283
Ziess Compact Prime 85mm T2.1 – $1999
Rokinon Cine 85mm T1.5 – $399

Bạn không có ống kính nào cả? Không vấn đề gì.

Nếu ngân sách của bạn quá eo hẹp và không thể mua được bất kỳ ống kính nào được nhắc đến ở trên? Vậy thì cũng đừng lo lắng. Đó không phải là điều gì quá bất lợi.

Rất nhiều nhà làm phim đã giải quyết vấn đề này một cách rất đơn giản bằng việc thuê lens cho mỗi dự án của họ. Nói vậy không có nghĩa rằng bạn không cần phải mua thiết bị. Đôi khi các nhà làm phim tìm cách tiết kiệm chi phí của mình bằng việc thuê những người quay phim có sẵn thiết bị.

Hơn nữa, điều quan trọng nhất là kỹ năng bố cục khung hình của bạn. Nếu bạn làm tốt điều này, bạn sẽ không phải lo lắng quá về vấn đề thiết bị.

Hiện nay bạn đang sử dụng loại ống kính nào? Bạn có lens của riêng mình hay phải đi thuê? Hãy cho chúng tôi biết trong phần bình luận bên dưới nhé!

Tham khảo thêm khóa học quay phim: http://reg.edu.vn/hoc-quay-phim

Read more

Nổi bật, Quay Phim Comments Off on Dùng xe lăn thay Dolly trong làm phim |

Dùng xe lăn thay Dolly trong làm phim

Bạn có thể dùng xe lăn để thay cho dolly, biến thiết bị dường như không liên quan này thành một công cụ làm phim hiệu quả cho tất cả các project ở mọi quy mô. Dưới đây là 7 cách mà bạn có thể dùng để xử lý công cụ này.

Có rất nhiều loại dolly cho phép các nhà làm phim ở mọi cấp độ có thể lựa chọn. Và xe lăn là một lựa chọn DIY giá rẻ dành cho bạn nếu bạn không thể đáp ứng được bất cứ lựa chọn nào khác trên thị trường, hơn nữa, công cụ này lại hết sức đơn giản, linh hoạt và thậm chí khá vui nhộn.

Trên thị trường hiện nay đã có một số loại dolly-kiểu-xe-lăn đặc biệt dùng trong làm phim (và chúng rất tuyệt). Nhưng trong bài viết nay, chúng ta sẽ tập trung vào loại xe lăn tiêu chuẩn mà bạn có thể dễ dàng thuê được hoặc mua được trong cửa hàng bán đồ cũ hay mua online. Một khi bạn lên hiện trường, có 7 cách tiêu biểu để sử dụng loại dolly độ chế này.

  1.    Kéo hoặc đẩy

Đẩy hoặc kéo dolly để tạo các cú dolly cơ bản là một cách tương đối dễ. Bạn thường thấy các shot như thế này trong các production quy mô lớn, vì chúng mang lại một hiệu ứng kể chuyện (tạo ra các khoảnh khắc quan trọng) hoặc để làm rõ bố cục. nếu bạn có thể giữ cho chuyển động ngắn và thẳng, xe lăn sẽ cho bạn hiệu ứng như thể bạn dùng một hệ thống track-dolly tiêu chuẩn, nhưng bạn không cần lắp ráp và cũng không sợ làm hỏng nó.

Nếu bạn quay một mình hoặc đoàn quay của bạn cực kỳ ít người, bạn chỉ cần ngồi lên xe đẩy và di chuyển xe đẩy bằng chân. Hãy thử xem, dù chỉ vài cm thôi, bạn cũng sẽ thấy shot quay của mình đặc biệt hơn so với các shot tĩnh thông thường.

  1. Cảnh vừa đi vừa nói chuyện

Cùng với các shot kéo và đẩy theo đường thẳng để tạo hiệu ứng kịch tính, bạn cũng có thể thực hiện các shot tracking dài bằng xe lăn, quay cảnh các nhân vật vừa đi vừa nói chuyện. Xe lăn là một công cụ rất hay bởi người quay phim chỉ cần ngồi trên đó và điều khiển máy quay trong khi một ai đó đẩy anh ta đi.

  1. Tracking ở góc thấp

Tính linh hoạt của xe lăn là rất hay ho. Bạn không cần phải set-up một hệ thống rối rắm, người quay phim chỉ cần ôm máy quay ngồi trên đó và nó cho phép thực hiện nhiều loại chuyển động. Như vậy, để thực hiện các tracking shot ở góc thấp, người quay phim chỉ cần giữ máy ở góc thấp, tựa vào xe. Điều này có thể khiến shot quay hơi rung, nhưng đối với các chuyển động ngắn (và kỹ năng của người quay đủ tốt), đây là một kỹ thuật khả thi.

  1. Tracking theo hình vòng cung

Một điều nữa khiến cho dolly bằng xe lăn độc đáo là bạn không cần phải set up đường ray. Xe lăn, tự thân nó là một thiết bị di động và có thể thực hiện các chuyển động theo những hình dạng phức tạp như cung tròn. Đạo diễn Jean-Luc Godard cũng sử dụng kỹ thuật này trong bộ phim Breathless của ông.

  1. Các shot tracking siêu dài

Tương tự như mẹo quay các shot vừa đi vừa nói chuyện, bạn có thể dùng xe lăn trong các shot tracking siêu dài. Xe lăn có thể là một công cụ khá hiệu quả, ngay cả với đoàn phim hai người: một người ngồi trên xe giữ máy quay và một người đẩy. nếu bạn dự định làm một shot quay dài, hãy cố tìm tư thế điều khiển máy quay thoải mái nhất và linh hoạt nhất có thể. (Bạn cũng có thể dùng thêm Steadicam hoặc một số loại thiết bị chống rung khác). Nhưng cần cẩn thận, bởi bề mặt sàn nhà có thể thay đổi, ví dụ như một cái thảm đặt ở cửa ra vào hay một cái que vô tình nằm trên mặt đất.

  1. Cú dolly zoom

 

Bạn cũng có thể thực hiện cú dolly zoom với một cái xe lăn, thậm chí là dễ hơn so với việc sử dụng các hệ thống dolly thông thường. Dolly zoom là một cú máy nổi tiếng đã được Hitchcock sử dụng để tạo hiệu ứng trong phim Vertigo của ông. Người điều khiển máy quay ngồi (hoặc quỳ) trên xe lăn, tay của họ sẽ có thể điều chỉnh zoom khi một người khác đẩy cái xe ở một tốc độ từ trung bình đến nhanh. Bạn có thể sẽ phải làm lại nhiều lần, bởi việc lấy nét là một điều khá khó thực hiện đối với một chuyển động máy phức tạp như thế này, nhưng kết quả cuối cùng sẽ khiến bạn thực sự ngạc nhiên.

  1. Lợi dụng các định lý về trọng trường

Cuối cùng, một trong những cú dolly bằng xe lăn nguy hiểm nhất là lợi dụng trọng trường và độ nghiêng để kiểm soát chuyển động của bạn. Sẽ có lúc bạn cần sử dụng cú máy này, như là một cú POV mô phỏng tầm nhìn của nhân vật hoặc tốc độ di chuyển của đối tượng ngày càng tăng khi trượt xuống một bề mặt nghiêng, dùng xe lăn để trượt theo là một lựa chọn táo bạo. (hãy đảm bảo là các bạn có đủ người để xử lý những tính huống bất trắc cũng như hỗ trợ người điều khiển máy quay)

Nguồn: #Premium Beat #Pixel Factory

Read more

Nổi bật, Quay Phim Comments Off on Bí mật đơn giản cho việc chiếu sáng vùng mặt, cũng như cách phá vỡ các thông lệ khi cần thiết. |

Bí mật đơn giản cho việc chiếu sáng vùng mặt, cũng như cách phá vỡ các thông lệ khi cần thiết.

Show góc đẹp nhất. Chiếu sáng vùng mặt sao cho đẹp là một trong những việc khó nhất trong cinematography. Nhưng có một số hướng dẫn mà bạn có thể tuân thủ để giúp bạn làm việc này tốt hơn. Trong bài viết này, Neil Oseman chia sẻ với bạn một trong những bí mật của việc chiếu sáng vùng mặt, cũng như cách phá vỡ các thông lệ khi cần thiết.

Nếu bạn đang bắt đầu sự nghiệp cinematography của mình hoặc đang chuyển sang lĩnh vực điều khiển máy quay, ánh sáng là một trong những yếu tố có thể gây khó chịu. Làm thế nào để biết nên đặt đèn ở đâu? Nếu bạn làm việc với hệ thống chiếu sáng ba điểm (3-point lighting), bạn có thể không cần quan tâm nhiều lắm đến backlight và fill light, nhưng hẳn việc tìm vị trí phù hợp cho key light có thể khiến bạn bối rối.

May mắn thay, có một vài quy tắc rất đơn giản mà bạn có thể áp dụng, được gọi là short key. Nói một cách ngắn gọn, một short key light là một đèn được đặt đối diện với hướng mắt nhìn của chủ thể đối với máy quay. Hãy tìm hiểu xem điều này có ý nghĩa gì và tại sao nó lại phổ biến. Trên thực tế, một khi bạn hiểu short key là gì, bạn sẽ luôn tìm thấy những ví dụ của nó trên phim và truyền hình – bạn sẽ thấy lúng túng khi biết nó được sử dụng quá nhiều như vậy.

Cách dễ nhất để nghĩ về short key là xuất phát từ điểm nhìn của diễn viên. Máy quay nằm ở phía đối diện của chúng ta và nép sang một bên, bởi có rất ít diễn viên nhìn trực diện vào ống kính, và key light nằm đối diện với chúng ta, xéo qua một bên. Nó được gọi là short key bởi vì ánh sáng sẽ hắt về phía khuôn mặt không hướng về máy quay. Ngược lại với short key là broad key, là kiểu ánh sáng chiếu vào phía mặt hướng về phía máy quay, do đó, anh sáng phủ phần lớn khuôn mặt diễn viên ở phía hướng về máy quay.

Short key tuân thủ các nguyên lý chung trong điện ảnh, rằng ánh sáng sẽ thú vị hơn khi được chiếu từ phía bên hông hoặc đằng sau, chứ không phải từ phía trước. Các DP thường xử lý ánh sáng theo cách này trong hầu hết các trường hợp bởi nó tạo ra chiều sâu và độ tương phản lớn hơn so với broad key. Bằng cách chiếu đèn từ phía bên hông, một short key tạo ra vùng tối ở phía gần hơn, tạo ra tâm trạng và sự thú vị. Nó làm cho phần mũi và má sắc nét hơn. Nó làm cho phần tai và sau đầu tối đi, tập trung sự chú ý của người xem vào phần mặt và do đó tăng hiệu quả hình ảnh.

Phía dưới cái dù của short key, chúng ta vẫn có thể thay đổi nhiều góc độ khác nhau để ảnh hưởng đến tâm trạng. Nếu chúng ta đặt key sang bên một cách nghiêm túc, để không một tia sáng nào lọt qua được phía máy quay trên khuôn mặt diễn viên, sử dụng đèn fill có cường độ cực thấp, chúng ta sẽ tạo ra hình ảnh đầy mạnh mẽ và kiên quyết. Nếu chúng ta đặt key gần về phía trước hơn và làm dịu ánh sáng bằng diffusion để ánh sáng toả đều phía máy quay trên khuôn mặt, chúng ta tạo ra hình ảnh thoải mái và ảo diệu hơn. Chúng ta có thể tăng độ sáng của đen để nhấn mạnh các đường nét nơi hốc mắt như trong Godfather, hoặc giảm cường độ sáng để phục vụ cho những cảnh phim có phần ma quái thường thấy trong những bộ phim ma, hoặc đặt nó bất kỳ đâu ở giữa.

Broad key thường không được các cinematographer ưa thích, thường chỉ được dùng khi short key không còn phù hợp cho một cảnh nào đó. Mặc dù vậy, điều đó không có nghĩa là nó không tốt hay không thể được sử dụng một cách có ý đồ và sáng tạo.

Nếu bạn đến thăm National Portrait Gallery ở London, bạn sẽ thấy rằng phần lớn các bức tranh truyền thống được chiếu sáng bằng broad key. Đây là cách chiếu sáng chủ thể giống như cách các hoạ sĩ chiếu sáng các nhân vật trong tranh của họ. Có lẽ những hoạ sĩ này cảm thấy rằng việc nhìn những đường nét của đầu và tai có tầm quan trọng ngang bằng hoặc lớn hơn trong việc thể hiện sự xuất hiện của con người hơn là việc tập trung ánh sáng trên khuôn mặt của nhân vật trong tranh. Dù là lý do gì đi chăng nữa, việc ứng dụng broad key trong phương pháp vẽ chân dung truyền thống cũng được các cinematographer sử dụng. DP Ole Bratt Birkeland đã thực hiện chính xác như vậy trong The Crown khi ông thiết đặt ánh sáng cho các shot quay Nữ hoàng Elizabeth II (Clare Foy) từ một bên máy quay để tạo ra cảm giác trong tiềm thức rằng cô là một nhân vật trong một bức chân dung hoàng gia.

Short key, tuy vậy, lại là phong cách chủ yếu thường thấy trong chiếu sáng. Nó thường là thứ đầu tiên mà một DP xem xét sử dụng khi bước vào hiện trường, rằng: Tôi có thể đặt key light ở đâu để tạo ra một vùng sáng hẹp trên khuôn mặt diễn viên. Hoặc ngược lại, tôi nên đặt máy quay ở đâu để nó hợp với đèn một góc hợp lý với short ket? Đôi khi, nếu chúng ta phải xử lý một nguồn sáng cố định như cửa sổ – chúng ta sẽ yêu cầu sử dụng blocking để đảm bảo short ket. Việc tạo ra hình ảnh mang tính điện ảnh có thể là một chặng đường dài. Vậy nên, lần tới, khi xem TV hoặc phim, hãy chú ý đến nó, đảm bảo rằng bạn sẽ thấy nó ở mọi nơi.

Nguồn: RedShark News, Pixel Factory

Read more

Kiến thức, Nổi bật, Quay Phim Comments Off on Một số mẹo tham khảo để quay phim nhanh hơn |

Một số mẹo tham khảo để quay phim nhanh hơn

Chúng ta đều từng trải qua 1 buổi làm việc đang dần hết, mà mình vẫn chưa hoàn thành xong cảnh mà mình đã dự định sẽ kết thúc nó trước giờ ăn trưa, trong khi đó còn cả núi việc phải nhồi nhét trong vài giờ tới. Bạn làm thế nào đây?

Tất nhiên, hành động hiệu quả nhất lúc này là cắt bỏ phần đó ra khỏi kịch bản, nhưng việc được đạo diễn, nhà sản xuất và biên kịch (nếu họ cũng ở trên hiện trường) đều đồng ý là rất khó. Thay vào đó, 1st AD sẽ thường nhìn vào shot-list và đề xuất cắt bỏ. Vậy thì, có thể cắt bỏ bao nhiêu?

Quay one-take
Hãy xem xét việc sử dụng một Single Developing Shot (SDS). Điều này có nghĩa là quay toàn bộ cảnh trong một set-up, một cú máy duy nhất, với một vài chuyển động máy quay và có lẽ một vài dynamic blocking để duy trì sự chú ý và quan tâm của khán giả. Nguy cơ của việc này là bạn sẽ không có đủ source để cắt chuyển cảnh nếu như cảnh quay không hoàn hảo. Tôi khuyên bạn nên kiểm tra chất lượng của SDS với một hoặc hai cutaway để dựa vào đó để việc dựng có thể linh hoạt hơn và giảm bớt áp lực cho shot master.

Quay down-the-line
Nếu bạn không thể tìm ra cách giảm số lượng các shot mà bạn cần, hãy xem xét việc làm cho những shot này nhanh hơn. Chẳng hạn, quay cận thì nhanh hơn. Điều này có nghĩa là, sau khi quay shot wide, bạn để nguyên máy ở vị trí cũ, chủ yếu là vì vấn đề ánh sáng, và thay một ống kính có độ dài tiêu cự lớn hơn để quay cảnh cận. Hãy quan tâm đến tính liên tục một cách nghiêm túc, vì các cut down-the-line sẽ rất dễ bị lỗi.

Dùng tiểu xảo với shot đảo ngược (reverse shot)
Loại shot tốn thời gian để làm ánh sáng nhất là shot đảo ngược, khi máy quay trượt vòng quanh để quay ở những hướng đối diện nhau, có nghĩa là đèn cũng cần được di chuyển, cùng với đó là toàn bộ các thành viên trong đoàn phim, dây điện và các thiết bị đặt lung tung trong background. Bạn có thể quay phim mà không dùng đến loại shot này, bằng cách thay đổi blocking một chút? Nhân vật đang quay lưng về phía máy quay – có mẹo nào để họ hơi quay về phía chúng tôi một chút không? Nó không thực tế lắm, nhưng các TV show thường có xu hướng tránh dùng shot này bằng cách để một nhân vật nhìn ra cửa sổ về phía chúng ta trong khi nói chuyện với người sau lưng họ.

Sử dụng thêm máy quay
Thỉnh thoảng, việc dùng thêm một máy quay thứ hai là một lựa chọn tốt, được nhà sản xuất lựa chọn như một giải pháp tăng tốc độ lên gấp đôi cho quá trình quay. Không may, nó không phải là một giải pháp đơn giản, bởi việc chiếu sáng cho hai máy quay tốn nhiều thời gian hơn cho một máy. Mặc dù vậy, nếu máy quay thứ hai được lên kế hoạch trước để đạo diễn và DP có thể tìm ra cách tốt nhất để tiếp cận trong việc chiếu sáng cho cả hai máy, nó có thể hết sức hữu dụng trong việc tăng tốc độ quay.

Điều quan trọng là thiết lập cách sử dụng máy quay B. Có phải nó chỉ đơn giản là lấy thêm shot “bonus”, trong khi máy quay A lấy những góc quan trọng không? (Hãy lưu ý rằng người dựng sẽ không có cùng sự phân biệt như vậy đối với các góc máy khi lựa chọn sử dụng shot nào). Liệu rằng cả hai máy quay có được quay trên cùng một trục, một máy với ống kính góc rộng hơn, một máy hẹp hơn, như một shot cận trong tương lai? Điều này khá dễ để chiếu sáng, nhưng các máy quay có thể bắt đầu ghi những hình ảnh tương đương nhau và có thể sẽ khó để tìm đường mắt cho diễn viên sao cho phù hợp với cả hai máy quay. Hoặc các máy quay chéo nhau, một ghi hình diễn viên A và cái kia ghi hình diễn viên B? Điều này sẽ mang lại kết quả tốt nhất cho hiệu suất quay, nhưng nó là một phương pháp rắc rối cho ánh sáng. Bạn có thể bị buộc phải chọn những ống kính có độ dài tiêu cự lớn hơn so với các ống kính mà bạn ưa dùng để đảm bảo là máy quay còn lại sẽ không xuất hiện trong khung hình của máy kia.

Khi tất cả những mẹo trên đều không áp dụng được cho project của bạn
Khi bạn không xài được mẹo nào trong số trên, và thời gian đang cạn dần nhưng không có cách nào làm cho xong được, hãy đảm bảo rằng ít rằng những shot mà bạn chưa quay được là những shot cận hay cutaway. Một nhóm quay nhỏ hoặc tổ máy thứ hai có thể quay lại vào ngày hôm sau và có thể quay bổ sung những shot này ở một địa điểm khác với cùng phục trang. Các cảnh toàn và cảnh trung thường làm bạn tốn kém nhiều hơn để quay lại.

Nguồn: RedShark News

Read more

Những điều bạn nên tham khảo để có một lịch quay phim tốt nhất

Bạn đang cố gắng để lên một lịch quay phù hợp? Dưới đây là một số chia sẻ bạn nên xem xét để kế hoạch quay không ảnh hưởng đến quá trình sản xuất.

Công việc ngoài hiện trường đôi khi nó hết sức hỗn loạn không theo ý mình, nếu có thêm một cái lịch quay tồi và rối rắm có thể biến mọi thứ thành cơn ác mộng thực sự. Để có một kế hoạch rõ ràng và súc tích cho mỗi ngày quay, các nhà làm phim cần lên lịch quay – nhưng nếu bạn chưa bao giờ làm việc này trước đây, nó có thể rất khó, bạn không biết làm cách nào để tiết kiệm thời gian, tiền bạc và rất dễ dẫn đến sự thất vọng.

Trong video dưới đây, StudioBinder chỉ ra 5 điều cần nhớ nhằm giúp bạn tổ chức lịch quay tốt hơn, khiến cho quá trình sản xuất của bạn rẻ hơn, năng động hơn và dễ dàng hơn cho diễn viên và thành viên trong đoàn.

Có rất nhiều thứ cần phải xem xét khi lên lịch quay, nhưng có 5 điều đáng nhớ nhất được nhắc đến trong video này sẽ giúp bạn suy nghĩ về việc lên một kế hoạch tốt là như thế nào.

Gọn gàng: Chèn các cảnh dễ giữa các cảnh khó để giúp cho diễn viên và thành viên trong đoàn phim không rơi vào tình trạng khi thì ngập đầu trong những cảnh khó nhằn, khi thì quá thảnh thơi bởi toàn cảnh dễ.

Tận dụng địa điểm một cách tối đa: tìm cách tận dụng địa điểm, gộp địa điểm nếu có thể, để tiết kiệm chi phí. Lợi dụng những khu vực xung quanh để lấy một vài pick-up và b-roll.

Làm việc theo thứ tự thời gian: Sẽ có một số lý do khiến bạn không phải lúc nào cũng có thể quay một cách liên tục (vấn đề trong lịch quay, thời gian ràng buộc…) Nhưng làm càng nhiều càng tốt, bởi nó sẽ giúp diễn viên của bạn có thể kết nối với nhân vật của họ một cách cảm xúc hơn.

Thiết lập các cột mốc: Có ai không thích cảm giác mình đạt được thành tựu gì đó chứ? Bạn có thể tạo ra những khoảnh khắc như vậy bằng cách đánh dấu những cột mốc khó khăn, những cảnh quay thử thách hoặc ngày làm việc cuối cùng của một diễn viên nào đó.

Lên lịch quay cho những cảnh đêm một cách cẩn thận: Lên lịch quay đêm và ngày xen kẽ nhau sẽ khiến cho mọi người hết sức mệt mỏi, bắt các thành viên và diễn viên làm việc quá sức. Hãy cho các thành viên trong nhóm có ít nhất 12 tiếng để nghỉ ngơi và thư giãn trước khi bước vào đợt quay tiếp theo. (Đối với hầu hết các nghiệp đoàn, đó là luật)

Nguồn: No Film School

Read more

Kiến thức, Nổi bật, Quay Phim Comments Off on Chia sẻ bí quyết để thành công trong sự nghiệp Quay phim |

Chia sẻ bí quyết để thành công trong sự nghiệp Quay phim

Ellen Kuras, QP từng hợp tác với các đạo diễn như Michel Gondry, Spike Lee, Jonathan Demme… sẽ chia sẻ với bạn những kinh nghiệm để thành công trong sự nghiệp quay phim.

Ellen Kuras, thuộc ASC, là một trong những cinematographer người Mỹ đang làm việc có sự nghiệp ấn tượng nhất hiện nay. Cô đã từng quay cho nhiều đạo diễn lớn như Spike Lee, Harold Ramis, và Sam Mendes và một số bộ phim độc lập được yêu thích nhất của thế kỷ này. Như Eternal Sunshine of the Spotless Mind của Michel Gondry, Coffee and Cigarettes của Jim Jarmusch. Cô là người đầu tiên 3 lần giành giải Best Dramatic Cinematography tại liên hoan phim Sundance (với các phim Swoon, Angela, và Personal Velocity), nhận được 1 đề cử Oscar và giành được một giải Emmy với phim tài liệu mà cô vừa quay vừa là đạo diễn, có tên là The Betrayal (Nerakhoon)

“Để trở thành một đạo diễn và QP thành công, quy tắc số một của cô chính là: đừng biến mình thành một đứa khốn nạn.”

Không chỉ những kỹ năng và các thành tựu của cô khiến cô trở nên xuất chúng – thái độ và cách tiếp cận của cô đối với công việc cũng là một phần quan trọng. Cô chịu khó lắng nghe, nghiêm túc trong việc hợp tác với người khác, sử dụng mọi cơ hội để tiến bộ hơn nữa trong khả năng kể chuyện bằng hình ảnh, và cô trân trọng toàn bộ thành viên nhóm của mình.

Tại buổi chia sẻ ở Liên hoan phim Tribeca 2017 vừa rồi, Kuras đã chia sẻ một vài điều quan trọng ảnh hưởng đến thành công của cô với những DP và đạo diễn mới vào nghề.

Hiểu về tầm nhìn của người đạo diễn
Nói chung, Kuras cảm thấy rằng, một trong những nhiệm vụ quan trọng nhất của QP là lắng nghe người đạo diễn của mình và thực sự quan tâm đến tầm nhìn của họ. Cô nói: “Không phải đạo diễn nào cũng biết về các loại ống kính, không phải đạo diễn nào cũng biết về blocking. Vì vậy, hãy lắng nghe và tìm hiểu chính xác họ muốn nói điều gì. Nó không phải là việc tạo ra các shot, nó là việc cố gắng để tạo ra câu chuyện bằng máy quay và ánh sáng.”

Thay vì đưa ra những quyết định về mặt kỹ thuật nào cần được thực hiện, bạn cần phải hiểu câu chuyện của mình một cách chặt chẽ. Điều này có vẻ hiển nhiên, nhưng Kuras nói: “Có rất nhiều người mà tôi quen quay nhưng không thực sự hiểu câu chuyện là gì. Họ không biết họ đang quay cái gì cả.”

Cả đạo diễn lẫn người quay phim đều cần biết rõ họ muốn cover một cảnh như thế nào. Điều này đòi hỏi phải giao tiếp với nhau. Đặc biệt là khi quay phim tài liệu, sẽ có lúc bạn rơi vào tình huống quay mà không có đạo diễn đi cùng. Vì vậy, những cuộc trao đổi giữa hai người càng chi tiết càng tốt, về việc các bạn muốn khán giả nhìn thấy gì và cảm thấy gì.

Với phim truyện, Kuras khuyên nên dành thời gian cho tiền kỳ càng nhiều càng tốt. Cô nhớ lại rằng trong những phim mà cô thực hiện với Rebecca Miller, như là Personal Velocity và Angela. “Chúng tôi dành 4 giờ một ngày, liên tục trong suốt 2 tháng, để ngồi cùng nhau và nói về kịch bản.”

Dù cho làm việc với ai đi nữa, Kuras đều đề nghị một khoảng thời gian là 4 ngày liên tục để làm việc với đạo diễn, để hiểu được tầm nhìn của đạo diễn đó. “Bạn cần phải hiểu họ nhìn thấy cái gì, và bạn thực sự muốn làm cái gì trước khi ra phim trường, bởi vì ngay khi bạn bắt đầu phải thảo luận lại với đạo diễn trên phim trường, bạn sẽ làm mất thời gian và đánh mất cái nhìn sáng suốt của chính mình.”

Kuras nhấn mạnh sự hiểu biết về tầm nhìn của người đạo diễn: “Bởi vì mỗi shot quay có câu chuyện riêng của mình. Mỗi cú pan máy đều có lý do của nó. Có lý do đằng sau mỗi quyết định về ống kính mà bạn đưa ra. Tại sao bạn dùng cú dolly? Bởi vì cú dolly có vẻ ngầu ư? Có lẽ. Nhưng rồi thì nó có ý nghĩa gì? Bạn phải hiểu rằng khi chúng ta nhìn thấy điều gì đó, chúng ta cảm nhận nó một cách trực quan như một người khán giả và nó ảnh hưởng đến chúng ta.”

Hình ảnh luôn phải phản ánh ý nghĩa của phim
Kuras bắt đầu với một lời cảnh báo: Đừng quá bận tâm đến các hình thức và công cụ mà quên mất điều bạn đang muốn nói.

Cô nói: “Có một loại môi trường khác biện hiện nay trong thế giới điện ảnh. Bạn có thể làm cả một bộ phim dài với cái iPhone của bạn. Vậy nên, câu hỏi trở thành: Điều gì làm bạn khác biệt với những người làm phim khác?”

Kuras cho rằng câu trả lời nằm ở quan điểm của bạn, thể hiện qua những lựa chọn mà bạn đưa ra. Cô học được bài học này khi cô thuê một cinematographer để quay bộ phim mà cô đã dùng để làm luận án Thạc sĩ Nhân học Xã hội trong những năm 80. Cô giải thích cho ông về câu chuyện mà cô muốn kể, nhưng khi cô nhận lại cuốn phim 16mm của mình, Cô nói: “nó là một bộ phim được quay rất đẹp, nhưng nó bị thiếu cái gì đó. Tôi không thể thay đổi bộ phim nữa. Nhưng phải thú nhận là bộ phim không tác động được đến tôi.”

Cho đến khi co bắt đầu sự nghiệp của mình, cô bắt đầu nhận ra thứ bị thiếu trong cuốn phim trước đây của cô chính là ý nghĩa của bộ phim ẩn sau lớp hình ảnh trực quan mà người quay phim tạo ra. Cô nói: “Nó là thuộc về tính chủ quan. Mỗi phần của nó. Bởi bạn, với tư cách là một người làm phim, phải đưa ra nhiều quyết định khác nhau.”

Cô khuyến khích các QP tự hỏi mình một câu hỏi trong mỗi lần quay: Làm thế nào mà tôi có thể cấu trúc những thứ tôi đang làm – tôi quay cái này như thế nào – để nó có tác động đến ý nghĩa? Làm thế nào mà chúng ta có thể hiểu được ý nghĩa của phim một cách hình ảnh?”

Các hiệu ứng in-camera có thể trở nên cảm xúc hơn
Nói rằng Gondry muốn quay trở lại những điều căn bản Eternal Sunshine là còn nhẹ nhàng. Kuras nói: “Anh ta giống như một đứa trẻ bảy tuổi. Có đôi lúc anh ta cắc cớ: “Tôi cần một ít giấy mô hình. Nó ở đâu?”. Vẻ đẹp của bộ phim, trên thực tế, nằm giữa những ký ức và thực tại, cần có chỗ để thực hiện các hiệu ứng in-camera.

Vị trí chính của nó cũng đòi hỏi các phương pháp tiếp cận cơ bản, nhóm không thể thiết đặt đèn hay dán băng keo ở bất kỳ chỗ nào ở trong nhà. Kuras dùng nó như một cơ hội để thực hiện các kỹ thuật mới.

Cô và Gondry “đặt đèn trên các dimmer, quay qua kính, dùng reflection và hỏi “làm thế nào mà chúng ta có thể sử dụng tất cả những yếu tố thô sơ này mà quên mất rằng chúng ta có rất nhiều công cụ kỹ thuật số khác trong hậu kỳ?”

Mỗi shot bạn quay là một vòng tròn. Nó có bắt đầu, điểm giữa và kết thúc.

Dùng các hiệu ứng in-camera quan trọng hơn nhiều so với những “sai lầm hạnh phúc” thường xuất hiện trong thế giới analog: nó tăng cường cảm giác. Karus nói: “Hãy cho phép mình cảm nhận điều gì đó. Cho phép mình trở nên thô ráp và sẵn sàng. Cho phép mình có cảm xúc khi quay. Bạn có thể làm ra những bộ phim đẹp, nhưng điều đó không có nghĩa rằng đó là những tác phẩm có cảm xúc.”

Đừng phụ thuộc vào các cảnh phản ứng
Những câu hỏi mà Kuras thường hỏi khi họp với đạo diễn, liên quan đến vấn đề quan điểm: “Bạn muốn kể câu chuyện về ai? Bạn muốn kể câu chuyện này từ góc nhìn nào? Chúng ta có nhìn qua vai nhật vật không? Và chúng ta có biểu hiện suy nghĩ của nhân vật không? Chúng ta có nhìn một người khác từ xa? Nó có phải là một quan điểm toàn diện không? Và chúng ta có đứng lùi lại để nhìn căn phòng không?”

Đối với Kuras, điều ít thú vị nhất là các set up truyền thống: một master shot, và các shot cận thể hiện sự phản ứng của nhân vật. Cô nói: “Sẽ thú vị hơn khi bạn làm khác đi một chút. Khi xem Eternal Sunshine [of the Spotless Mind], bạn có thể thấy rằng nếu chúng tôi quay phim đó bằng cách truyền thống, nó sẽ là một phim siêu buồn ngủ.”

Các cảm giác năng động của bộ phim đã đưa tên tuổi của Gondry lên một tầm mới đến từ quyết định quay handheld. Theo Kuras, Gondry “đã đưa ra quyết định của mình, rằng ông muốn mọi thứ phải thật cơ bản. Vì vậy tôi nhận ra rằng hình thức của bộ phim phải là một phần của nội dung. Tôi biết rằng quay handheld và quay với các góc trông hơi “lén lút” sẽ giúp tạo ra cảm giác cho bộ phim đó.”

“Cho phép bản thân mình có cảm xúc khi quay.”

Gondry đã rất kiên trì trong việc quay handheld. Trong thực tế, đôi khi ông đẩy Kuras từ phía sau bởi ông cảm thấy rằng cô đang giữ máy quay quá ổn định. Cô nhớ lại: “Ông muốn mọi thứ phải thực sự thô ráp. Vì vậy tôi nói: “Okay, nó liên quan đến sự nghiệp điện ảnh của mình”. Và tôi tiếp tục thực hiện, và nó quan trọng bởi vì khi bạn xem bộ phim như một toàn thể, bạn sẽ nhận ra rằng bạn đã đi vào khía cạnh năng động của nó.”

Để tạo ra được cảm giác “cơ bản” của phim, Gondry muốn Kuras quay Eternal Sunshine bằng các long take để các diễn viên có thể di chuyển từ nơi này sang nơi khác. Cô phải tìm cách để dù quay long take thì vẫn lấy được các shot phản ứng truyền thống, phục vụ cho tầm nhìn của bộ phim.

Kỹ năng giải quyết vấn đề một cách sáng tạo là công cụ tốt nhất của bạn.
Ngoài việc nghe theo trực giác của mình, Kuras nói rằng lời khuyên tốt nhất mà cô có thể dành cho bạn là: “Nếu bạn không biết điều gì đó thì hãy hỏi. Đó là điều quan trọng. Và hữu ích”

Giải quyết vấn đề là tên của một trò chơi trong làm phim. Kuras từng phải dùng đến nó trong mọi công việc, đặc biệt là trong bộ phim tài liệu của chính cô The Betrayal (Nerakhoon). Cô bắt đầu phim này khi học cấp 3, nơi cô biết rằng mình muốn trở thành một QP, và đạt được mục tiêu nó sau 25 năm. Có rất nhiều rào cản phải vượt qua, một khi sự nghiệp của cô bắt đầu phát triển. Cô quay 35 bộ phim khác giữa khoảng thời gian bắt đầu và kết thúc quá trình sản xuất bộ phim. Nhưng chủ yếu là các trở ngại về mặt hậu cần, đòi hòi cô liên tục đưa ra những câu hỏi, trau dồi các kỹ năng và giải quyết vấn đề một cách sáng tạo để có thể vượt qua được.

Bộ phim miêu tả câu chuyện của một gia đình về những trải nghiệm của họ trong cuộc chiến bí mật của chính phủ Hoa Kỳ tại Lào trong chiến tranh Việt Nam. Một trong những rào cản mà cô gặp phải là Lào là một quốc gia đóng, và cô không thể đến đó trong nhiều năm. Vì vậy cô bắt đầu quay phim với những người nhập cư Lào ở Brooklyn. Cô học tiếng Lào. Và khi cô không thể đưa các đoạn clip tư liệu vào phim, cô đã chiếu nó lên tường với một cái máy chiếu 16mm và quay phim lại đoạn chiếu đó để có thể đưa vào phim của mình.

Cô kể tất cả những ví dụ này như một minh chứng cho thấy rằng giải quyết vấn đề là một kỹ năng cần thiết trong mọi hoàn cảnh khác nhau. Cô nói: “Các thách thức sáng tạo nên được xem là một phàn trong kho vũ khí sáng tạo của bạn chứ không phải là một rào cản chống lại bạn.”

Đừng có cố trở thành một kẻ khốn nạn

Khi được hỏi về điều quan trọng nhất giữa mối quan hệ giữa đạo diễn và QP, Kuras đã nhấn mạnh vào sự tin tưởng. Cô nói: “Điều quan trọng nhất với tôi là mình có thể tin tưởng đạo diễn của mình. Và họ biết rằng tôi đang theo dõi họ và tôi đang cố gắng để hiểu được họ, nhằm kể câu chuyện của họ, và nâng cao câu chuyện đó.”

Kuras cũng tin tưởng vào tầm quan trọng của việc chú ý đến mọi người tham gia vào quá trình hợp tác. Cô nói: “Đoàn làm phim quan trọng đối với tôi. Và tất cả những ai biết tôi đều biết rằng tôi là một người ủng hộ các thành viên đoàn làm phim về thời gian và bảo vệ cho họ. Rất nhiều lần, các QP nghĩ rằng họ đứng đầu hệ thống phân cấp và rằng họ có quyền đối xử với mọi người như shit.”

Cô nhấn mạnh: “Bạn không cần phải trở thành một kẻ khốn nạn mới thành công được. Và tôi nghĩ tôi là một bằng chứng cho điều đó. Tôi đối xử với mọi người một cách công bằng và tôi tôn trọng mọi thành viên trong nhóm, dù công việc của họ là gì, họ cũng đều quan trọng trong quá trình làm việc.”

Không nhất thiết phải dùng ống prime
Kuras rất thích dùng ống zoom khi quay bộ phim đầu tiên của mình, Swon của Tom Kalin năm 1992. Swoon được quay trong 14 ngày với kinh phí 25000 USD, bằng một máy quay trắng đen 16mm. Chúng tôi thậm chí không có nổi một cái dolly thật. Chúng tôi phải dùng một cái cửa để làm dolly.”

Do những hạn chế về mặt ngân sách, họ đã quay toàn bộ bộ phim trên hai ống kính zoom. Nhưng Kuras nhận ra rằng cô thực sự thích việc đó. Cô nói: “Điều khiến tôi thích ống kính zoom là tôi có thể thay đổi tiêu cự ống kính một chút vào cuối shot. Điều này luôn luôn diễn ra khi đạo diễn hô cut và cái khoảnh khắc diễn ra ngay sau đó khi các diễn viên vẫn đang ở trong nhân vật của họ và họ bắt đầu thoát ra khỏi nó… Và nó gần như kiểu là mỗi shot mà bạn quay là một vòng tròn. Nó có bắt đầu, ở giữa và kết thúc. Nó có câu chuyện riêng của mình. Vì vậy với ống kinh zoom ở lúc kết thúc của câu chuyện đó, bạn có thể kết thúc nó. Tôi có thể nhấn mạnh nó một chút.”

Sau đó, cô được đưa vào để thay thế QP nổi tiếng Sven Nykvist (The Unbearable Lightness of Being) trong phim Angela của Rebecca Miller. Cô gặp anh để xin vài lời khuyên: “ Tôi thích tác phẩm của ông, tôi thích sự thanh đạm của nó, tôi thích cách ông nhìn vào ánh sáng, nhưng điều tôi yêu nhất trong tác phẩm của ông chính là sự cộng hưởng. Tâm hồn và cảm xúc của riêng bạn đi vào tác phẩm của ông.”

Kuras đã nói với Nykvist: “Mọi người đều nói rằng, bạn chỉ có thể trở thành một cinematographer thực thụ khi bạn làm một bộ phim thực thụ. Bạn cần phải dùng ống prime vì nó cho ra chất lượng hình ảnh tốt hơn.” Nykvist cười và nó với cô rằng ông luôn dùng ống zoom.

Lời khuyên của ông đã theo Kuras trong suốt sự nghiệp của mình: “Bạn có thể dùng bất cứ thứ gì mà bạn cảm thấy nó cần cho phim. Hãy đi theo trực giác của mình. Đó là góc nhìn của bạn.”

Nguồn: No Film School

Read more

Kiến thức, Nổi bật, Quay Phim Comments Off on Những quan niệm sai lầm thường thấy trong việc làm phim |

Những quan niệm sai lầm thường thấy trong việc làm phim

Các thiết bị làm phim hiện đại hết sức tuyệt vời bởi kích thước, trọng lượng, điện năng tiêu thụ và giá cả. Mặc dù vậy, vẫn có một số điều khiến chúng ta phải suy nghĩ về việc làm phim trong năm 2017, nó không còn giống như chúng ta hình dung trước đây. Trong bài viết này, Phil Rhodes sẽ chỉ cho chúng ta thấy 5 quan niệm sai lầm nhất về việc làm phim.

Đây là danh sách những điều mà chúng ta muốn làm rõ với mọi người để họ đừng hiểu sai vấn đề nữa, chắc chắn là nó không đây đủ, và những bình luận của bạn sẽ được hoan nghênh.

Ngày nay, bạn không cần dùng nhiều đèn để làm phim
Một số máy quay kỹ thuật số hiện đại có ISO lên đến 6 con số. Tuy nhiên, hầu hết các máy quay điện ảnh kỹ thuật số không thực sự hoạt động tốt ở mức ISO trên 800. Đây không phải là điều gì bí mật và không cần phải tranh cãi để làm gì. Việc các máy quay không cho phép quay log dưới vài ngàn đã từng là chủ đề trong nhiều chiến dịch cho một lựa chọn có độ nhạy thấp hơn và giản dị hơn – và các nhà sản xuất đã  cung cấp các bản cập nhật (một số hạn chế này được khơi dậy bởi nhu cầu phát triển các LUT cụ thể cho mỗi chế độ, tốn rất nhiều thời gian). Chỉ cần chúng ta hiểu nhau, 800 thì ít hơn một stop nhanh hơn 500. Và đã có bộ phim quay ở tốc độ 500 trong một thời gian dài, vậy nên 800 hay 1600 đều ổn và không phải là cái gì đó ghê gớm lắm. Ngay cả khi nhiều người sẽ cân nhắc việc ưu tiên khả năng xử lý highlight tốt, nhưng để có hình ảnh chất lượng cao, bạn vẫn phải cung cấp đủ lượng ánh sáng cần thiết.

Khi đề cập đến vấn đề này, một trong những điều khiến cho vấn đề càng trở nên trầm trọng hơn là việc người ta hiểu lầm rằng đèn LED tạo ra nhiều ánh sáng hơn trên mỗi watt so với bất cứ công nghệ nào trước đây. Nó được cho là có hiệu suất ngang ngửa với đèn HMI và tiêu tốn ít điện năng hơn. Nghe thật tuyệt. Nhưng hầu hết các đèn LED hiện nay chỉ có công suất khoảng trên dưới một trăm watt và chúng chỉ phù hợp dùng trong quay phỏng vấn chứ rất khó dùng trong các dự án lớn.

Bạn cần một máy quay với cảm biến lớn thì mới quay được hình ảnh mang chất điện ảnh
Hãy bỏ qua một thực tế rằng, một số tác phẩm điện ảnh quan trọng đã sử dụng độ sâu trường ảnh lớn. Orson Welles, nổi tiếng với phim Citizen Kane, thường dùng hình ảnh với độ sâu trường ảnh nông để xử lý các vấn đề về background nếu nó được xây dựng không tốt. Đây là một kỹ thuật tương đối hợp lý.

Vấn đề phổ biến là việc người ta nghĩ rằng chỉ có máy quay với cảm biến super-35 mới có thể tạo ra điều đó. Điều này khiến cho các máy quay với cảm biến nhỏ hơn thường không được đánh giá đúng mức. Đặc biệt là nó cho phép chúng ta sử dụng các ống kính nhỏ hơn, nhẹ hơn và nhanh hơn, cho cùng trường nhìn tương đương với ống kính thường dùng trên máy quay cảm biến super-35. Ống kính dùng cho máy super-16 có giá khá rẻ chỉ vì người ta bị ám ảnh quá nhiều bởi những máy quay với chip lớn đã vội vàng kết luận rằng chúng không tốt bằng. Trời ơi!

Các máy quay như Blackmagic Pocket Cinema Camera có giá khá rẻ. Ống kính Canon HJ21x7.5B KLL-SC 21x 2/3″ Cine Zoom với khẩu f/2.1-2.9, cho phép bạn xóa phông mềm mại. Chắc chắn là người ta sẽ tranh cãi nhiều về chất lượng quang học của các ống kính zoom, nhưng bộ Zeiss Digiprimes, là bộ ống kính hết sức dễ thương, được bán trên ebay với giá dưới 300 triệu cùng với bộ kiểm tra lấy nét SharpMax. Chúng đều có khẩu độ dưới f/2. Bạn còn gì để lưỡng lự chứ?

Flag chỉ dành cho kẻ bất tài
Với sự tiến bộ của công nghệ, ngày nay người ta có thể tạo ra nhiều ánh sáng với ít điện năng hơn so với trước đây. Vấn đề xảy ra khi ánh sáng quá nhiều và chúng ta không có cách nào hạn chế chúng để đạt được ý đồ của mình. Thật ra thì đây không phải là vấn đề phổ biến, thường chỉ xuất hiện khi sử dụng các hệ thống chất lượng thấp thường dùng trong phim sinh viên và phim ngắn hoặc người làm video để up lên internet, những người thường tìm cách làm nổi bật chủ thể lên trên hậu cảnh. Tuy nhiên, đó cũng là vấn đề khi một sinh viên 17 tuổi để cho ánh sáng vốn chỉ nên chiếu vào tiền cảnh lại loang lổ khắp nơi.

Có một cách hết sức đơn giản là sử dụng flag. Nó chỉ đơn giản là một tấm vải đen căng trên một khung kim loại. Một sự thật gây khó chịu và khiến người ta đánh giá thấp tầm quan trọng của nó là bởi giá của cái khung kim loại thậm chí còn đắt hơn thứ đặt trên nó. Nhưng ngay cả những người chuyên nghiệp nhất cũng thích sử dụng thiết bị tầm thường này để điều hướng ánh sáng theo đúng ý đồ của mình. Không có lý do gì để không sử dụng một thứ vừa rẻ vừa hiệu quả như vậy để tránh cho nhân vật khỏi phải nheo mắt bởi ánh sáng phát ra từ đống đèn sáng quá mức của bạn trên phim trường.

Gấp đôi look có nghĩa là gấp đôi thiết bị
Một trong những cách tốt nhất để giao tiếp với bộ phận quay là sử dụng các ví dụ. Một vài người cho rằng việc dùng các các ví dụ thường gặp phải những hạn chế nhất định đối với khả năng sử dụng ngôn từ để biểu đạt ý nghĩa một cách chính xác, nhưng có vẻ như những người trong tổ quay phim làm việc trong khoa học viễn tưởng vẫn tiếp tục đòi hỏi việc dùng ví dụ minh họa rằng tương lai gần sẽ giống như trong Blade Runner hay 2001: A Space Odyssey.

Sai lầm ở đây là giả sử rằng bộ phận quay thực sự có khả năng làm cho nó giống như trong Blade Runner, đặc biệt nếu “nó” là một căn hộ có tường trắng của ai đó. Hiện nay, phim noir đã dùng những công nghệ nhất định để khiến cho ngay cả những người không quen cũng có thể dễ dàng thưởng thức chúng. Nó được quay bằng ống kính C-series anamorphic của Panavision và dùng đèn sợi đốt 5247 100-speed của Kodak (những bộ phim khác như Alien và Top Gun cũng được quay bằng những thiết bị này và cho hình ảnh rất đẹp), cho hình ảnh có độ tương phản cao và mức grain tối ưu mà không có công nghệ nào của thời đó có thể làm được, thậm chí có dùng các ống C-series của Panavision đi chăng nữa, kết quả vẫn sẽ không được như vậy.

 

Cuộc cách mạng đang đến rất gần
Cuối cùng, chúng ta nói về niềm tin nguy hại nhất đối với việc làm phim: đó là sự thay đổi về mặt công nghệ có thể tạo ra, hoặc đã tạo ra một sự khác biệt lớn trong cách làm phim. Điều này có vẻ không được sáng suốt cho lắm, khi cho rằng quá trình chuyển đổi kỹ thuật số có nghĩa là bạn có thể mua được những thứ chất lượng cao với vài xu lẻ. Điều đó không sai. Nhưng quá trình chuyển đổi đã mất ít nhất 20 năm để xảy ra, kể từ những năm cuối cùng của thập niên 1980, khi các video chất lượng cao bắt đầu trở nên phổ biến, cho đến năm 2010 khi nó bắt đầu có giá cả hợp lý hơn. Sự thay đổi đã bị chống lại trong suốt một thời gian dài, và có thể nói rằng cái kỷ nguyên mà chúng ta mong đợi sẽ còn lâu mới xảy ra. Hơn thế nữa, sự thật đáng buồn là low end vẫn là low end vì nó vẫn không đủ khả năng để đáp ứng được các yêu cầu cao trong làm phim. Chi phí chủ yếu của việc làm phim chưa bao giờ thuộc về bộ phận máy quay, và nó sẽ luôn như vậy.

Nguồn: RedShark News

Read more